最近，改編自同名音樂劇的好萊塢歌舞片《媽媽咪呀2》在國内上映。這部經典歌舞片的續集集齊了原班人馬，奧斯卡獎得主梅麗爾·斯特裡普、科林·費斯、朱麗·沃特斯，以及“007”皮爾斯·布魯斯南，再加上唱功了得的一衆新人，陣容可謂強大。
電影一上映就在歐美取得了高票房和好口碑。在美國，《媽媽咪呀2》的首周末票房就超過了3400萬美元。雖然中國人向來不親近歌舞片，但票房數據上的差異還是讓人震驚。這部被歐美人追捧的電影在國内的首日票房僅為75萬元人民币，輸給了當日上映的所有國内外電影。
作為一個大IP，《媽媽咪呀》久負盛名。1999年，音樂劇《媽媽咪呀》在倫敦西區愛德華王子劇院首演，取得了極大成功，至今，它已經在全球超過200個城市演出，被翻譯成十幾種語言，觀看人數近5000萬。和大部分百老彙音樂劇一樣，《媽媽咪呀》的故事并不複雜。希臘小島上，一對母女以開餐廳、民宿為生，女兒蘇菲即将出嫁，她希望親生父親能來參加婚禮，并親手把她交給自己的愛人。她從母親唐娜的日記中找到線索，推理出有可能是她生父的三位“嫌疑人”，并以母親的名義向他們發出邀請。婚禮日，三位“父親”如約出現，母親、女兒和父親們在頻出的狀況和一輪輪的争執中達成了和解，重新定義了彼此之間的關系。
音樂劇版《媽媽咪呀》使用了瑞典樂隊ABBA創作的22首歌曲，劇中的同名歌曲《媽媽咪呀》早已經是全球流行的經典曲目。
10年前，女導演菲利達·勞埃德将這部經典音樂劇搬上了大熒幕，故事沒有太大改動，電影中的唱演曲目也基本與音樂劇版相同。音樂劇的名氣，再加上衆多大牌演員的加持，電影版《媽媽咪呀》在當年收獲了6億美元票房。
被歐美人追捧的《媽媽咪呀》為什麼到了中國就水土不服？這或許要從兩種文化對歌舞片的态度說起。
不光是《媽媽咪呀》，如此景氣的國内電影市場幾乎沒有過爆款歌舞片。2013年在内地上映的奧斯卡獲獎影片《悲慘世界》僅收獲不到7000萬元票房，去年上映、同為休·傑克曼主演的《馬戲之王》票房艱難過億。《愛樂之城》名氣那麼大，也不過賣了2.4億元。目前為止，國内票房最高的好萊塢歌舞片是《美女與野獸》，5.9億元，但電影的賣點也不是歌舞，而是《美女與野獸》這個經典故事和所有“哈利·波特”粉絲的女神——艾瑪·沃森。
華語歌舞片甚至輪不到細數票房，産量就少得可憐，導演和主創還大多是香港、台灣電影人。目前為止，票房最高的華語歌舞片是2013年周傑倫導演的《天台愛情》，1.2億元票房的紀錄至今未被打破。陳可辛導演的《如果·愛》名氣最大，獲獎無數，但當年在内地上映時，票房也不過3000萬元。杜琪峰的《華麗上班族》是最近一部讓人有印象的載歌載舞電影，雖然有張艾嘉、湯唯、陳奕迅參演，票房也沒能超過5000萬元。
最近幾年，印度電影在國内的票房一路走高。寶萊塢電影向來以歌舞見長，某種程度上，這是印度電影的符号。和國産電影、好萊塢電影相比，印度電影動辄三個多小時的長度嚴重影響院線排片場次，因而當印度電影進入中國時，通常會做一些删減。其中，删減最多的就是歌舞片段，同為阿米爾·汗主演的《我的個神啊》《摔跤吧！爸爸》都删除了多段歌舞。這些被印度人視作優勢的歌舞片段無法被大多數中國觀衆所理解，“一言不合就尬舞”的電影手法在中國人看來是嚴重影響電影叙事的。左、右圖：好萊塢歌舞片《媽媽咪呀2》劇照在歐美，歌舞片的境遇完全不同，它是好萊塢有聲電影時代開始以來最古老的電影類型。1927年，美國華納公司拍攝了影史上第一部有聲電影《爵士歌王》，光看片名就知道，這是一部歌舞片。
有聲電影出現以來，好萊塢電影一個重要靈感來源就是音樂劇。在中國，音樂劇還是少數人的喜好，但在美國或英國，進劇場看音樂劇跟看電影一樣稀疏平常。百老彙經典劇目為電影提供了源源不斷的故事、音樂和再創作的靈感源泉，《西區故事》《音樂之聲》《芝加哥》《紅磨坊》……這些經典歌舞片大多改編自音樂劇，在奧斯卡長長的獲獎名單上，它們同樣占有一席之地。
在好萊塢，歌舞片是有傳承的，它早已自成體系。被新一代年輕人追捧的《愛樂之城》裡有很多好萊塢經典歌舞片的影子。電影開頭，公路大堵車，無聊的司機和乘客們紛紛開門下車，随音樂唱歌跳舞，這個橋段顯然是在緻敬上世紀60年代雅克·德米導演的《柳媚花嬌》。男女主角從熱鬧的聚會上逃跑，在山頂起舞，這段表演也總會讓人聯想起吉恩·凱利主演的《雨中曲》。
歐美人的Party文化，以及普遍高于我們的音樂素養也讓他們對歌舞片多了幾分親近感。包括《媽媽咪呀》《愛樂之城》在内，很多歌舞片都以展現年輕人的生活和情感為主題，有年輕人的地方就有Party，這是歐美文化中的重要一筆。《愛樂之城》裡，男女主角相識于朋友的聚會，在“媽媽咪呀”系列裡，Party和酒吧文化幾乎串聯了兩部電影。
歌舞片需要觀衆帶着激情和樂感去欣賞，這對于開慣了Party，随時能High起來的歐美人來說不是難事，但低調内斂的中國人實在不習慣這種表達方式。
當然，華語歌舞片也有過屬于它的輝煌時代。在中國，歌舞片的曆史隻比好萊塢晚了四年。1931年，第一部華語有聲電影《歌女紅牡丹》也是一部歌舞片。作為“第七藝術”，起步較晚的電影必然是從其他藝術中借鑒，舞台劇、音樂劇無論從形式還是成熟度上似乎都最适合被電影效仿。因此，好萊塢從音樂劇中汲取靈感，華語電影也直接從戲曲舞台上找到了屬于自己的電影模闆。《歌女紅牡丹》之後，《四郎探母》《梁山伯與祝英台》《西廂記》等很多當時紅極一時的電影都脫胎于戲曲。當時，華語電影的創作中心在上海，那裡不僅有戲曲，還有百老彙式的舞台劇和夜總會，這些藝術形式和背後的人才儲備為當時的歌舞片提供了保障。
抗戰和後來的“文革”時期，歌舞片、音樂劇變成了政治宣傳的工具，《白毛女》《紅色娘子軍》等“樣闆戲”先後以戲曲、音樂劇、電影的形式出現，官方的扶持和推廣，讓這些文化成品紅極一時，但當文化産業走向市場經濟後，它們自然而然地退出了大衆視野。
今天，歌舞片依然是好萊塢不可或缺的電影類型。最近兩年，《愛樂之城》在奧斯卡上的斬獲和《美女與野獸》等歌舞片在票房上的成功，在一定程度上刺激了歌舞片的産量。百老彙依然穩定産出着高品質歌舞劇，年輕人依然在Party上、酒吧裡夜夜笙歌，歐美歌舞片的創作源泉和受衆都足以支持這種類型片的長遠發展。
但在中國，華語歌舞片的靠山戲曲已經成為小衆藝術，年輕人很少再對這項中國傳統藝術感興趣，華語歌舞片自然就沒有了曾經賴以生存的成熟創作框架。2014年，香港導演徐克再次将“八大樣闆戲”之一《智取威虎山》改編成電影，搬上大熒幕。但徐克的改編也避開了曾經最重要的歌舞唱段，變成了純粹的諜戰動作片，這或許是新版《智取威虎山》能取得票房成功的原因。
沒有了傳統文化的支撐，華語歌舞片隻能學習歐美，學習好萊塢，但無論從幕後的導演、歌舞編排，還是演員的演唱、表演上，華語歌舞片的軟實力都落後一大截。當下，很多好萊塢歌舞片都選擇有百老彙演出經驗的英國演員擔當主演，美國有能力出演歌舞片的演員也大多經受過嚴格的舞台訓練，對于歐美舞台表演來說，唱是重要的一環。
但在中國，擁有舞台表演經驗的演員大多是話劇演員出身，精于唱的不多。周傑倫導演的《天台愛情》選擇用歌手出身的演員做主角，唱可以，演又差了些。眼前，唱演俱佳的演員在華語電影圈還是稀有物種。
即便如此，隻要市場有需求，在當前國産電影的大環境裡，軟硬實力的提升都不是不可能的事。當下，比制作水平更重要的是觀衆的觀影趣味，目前來看，這種趣味的培養要靠好萊塢歌舞片了，希望《媽媽咪呀2》遭遇的滑鐵盧不會成為歐美歌舞片繼續被引進中國市場的障礙。